🔅 Arte contemporaneo para colorear
👅 Mark rothko – vibraciones
En Cut Out & Co estamos un poco obsesionados con el color (como si no te hubieras dado cuenta). Adoramos a artistas como Matisse y Mark Rothko, pero, por desgracia, ninguno de ellos sigue vivo para cautivarnos con sus bloques de color. Afortunadamente, muchos artistas modernos se han motivado con sus ideas y técnicas para seguir experimentando con combinaciones de colores y técnicas de pintura poco convencionales. Fíjese en estos tres artistas que siguen en activo.
Damien Hirst, nacido en Bristol (Inglaterra) en 1965, se ha dedicado a todo, desde la pintura hasta la escultura, pasando por la dirección de vídeos musicales. Las Imposibilidades Físicas de la Muerte en la Mente de Alguien Vivo, una “escultura” que representa el cuerpo de un tiburón tigre conservado en formol, le dio su primera oportunidad en el mundo del arte en 1991 (por decir algo, la reacción de la crítica fue variada). Sus controvertidas obras le impulsaron a convertirse en uno de los artistas más vendidos de todos los tiempos, con una exposición, titulada Beautiful Inside My Head Forever, que se vendió por 198 millones de dólares en 2008 y que incluía 218 obras.
🌝 Pirata: arte contemporáneo – tim mckay “el color como línea”
El concepto objetivo de color es “el elemento de arte que se crea cuando la luz incide sobre un objeto y se refleja en el ojo”. El color, por otra parte, tiene una serie de cualidades subjetivas en el diseño artístico. Armonía – cuando dos o más colores se combinan y crean una respuesta agradable y exitosa; y temperatura – un azul se considera cálido o frío dependiendo de si se inclina hacia el morado o el verde, y un rojo se considera cálido o frío dependiendo de si se inclina hacia el amarillo o el azul.
El color es una sensación, una respuesta humana a un matiz que procede en parte del nervio óptico, en parte de la educación y la sensibilidad al color y, quizá lo más importante, de los sentidos humanos.
Aristóteles (384-322 a.C.), filósofo griego, sostuvo que todos los colores se originaron a partir del blanco y el negro en la primera teoría conocida del color. También afirmó que los elementos del mundo están representados por cuatro colores básicos: rojo (fuego), azul (aire), verde (agua) y gris (tierra). Isaac Newton (1642-1727), físico y matemático británico, descubrió que la luz clara está formada por siete colores visibles, que denominamos ROYGBIV del arco iris (rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta).
🐵 Utilizar el arte contemporáneo en el aula – explorar el color
Ha llegado a la siguiente dirección:
😐 “en colores vivos: superando los límites de la percepción en
Los maestros del arte y su relación con el color (artículo)
🦉 Muy fácil cubismo pintura abstracta en colores al óleo
Los maestros artistas y su interacción con el color tienen más que una vida de información. Cuando miramos el color a través de los ojos de los grandes artistas, vemos sus intensas emociones, sus inevitables obsesiones y sus firmes convicciones sobre la fuerza del color. Este artículo arroja algo de luz sobre este amplio y fascinante tema. Visite nuestra exposición de arte en línea “La fuerza curativa del color” para saber más sobre nuestra obsesión por el color. También puede interesarle leer mi anterior post, “Docenas de datos sobre el color”.
El uso del color por parte de Helen Frankenthaler fue pionero y fue madurando a lo largo de su carrera. A principios de la década de 1950, comenzó a exponer sus pinturas expresionistas abstractas a gran escala en museos y galerías contemporáneas. Valoraba la espontaneidad porque, como decía la artista, “una foto muy buena parece haber ocurrido de golpe”.
Formó parte de la exposición Post-Painterly Abstraction, comisariada por Clement Greenberg en 1964, que lanzó una nueva ola de pintura abstracta conocida como “Color Zone”. (Más adelante en este artículo se habla del término “Campo de color”). En los años 60 empezó a utilizar tiras de color a lo largo de los bordes de sus cuadros, haciendo que los bordes formaran parte del conjunto de la composición. Empezó a utilizar manchas individuales y manchas de color sólido sobre fondos blancos, a menudo con formas geométricas. En la década de 1970 empezó a utilizar pintura más gruesa, lo que le animó a usar colores más brillantes, casi inspirados en el fauvismo. Frankenthaler experimentó con formas amplias y abstractas y exploró la unión de zonas del lienzo utilizando tonos modulados en la década de 1970. Con el uso de colores tenues y una pincelada relajada, su obra en la década de los 80 se presenta como mucho más tranquila.
😮 Panel de artistas: clave de color
Nuestra obsesión por la visión ha inspirado la creación de arte. En la segunda mitad del siglo XIX, artistas como Paul Gauguin (1848-1903), Paul Signac (1863-1935), Vincent van Gogh (1853-1890) y Paul Cézanne (1839-1906) fundaron el arte moderno en Francia. Durante esta época, los científicos empezaron a investigar cómo vemos. La evolución del arte y nuestra interpretación del mismo se ven influidas por una nueva comprensión de la visión.
La tradición de la pintura histórica sublime, influida por temas políticos, teológicos o mitológicos, perdió su supremacía con las revoluciones artísticas y científicas del siglo XIX. Del mismo modo, la visión intransigente del retrato moderno hace hincapié en la “realidad” por encima de los valores formales del “alto arte” o de la proyección de una “imagen de poder”. Los artistas comenzaron a retratar la vida cotidiana, con sus temas a menudo menos sublimes, con colores y formas no naturalistas. Artistas como Henri Matisse (1839-1954) creían a principios del siglo XX que el color y la forma sólo podían alcanzar todo su potencial si eran independientes de los objetos que retrataban. Los artistas modernos, por ejemplo, hacían hincapié en el punto de vista del artista individual y, por tanto, en su visión.