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La capacidad de las obras de arte para provocar emociones en los espectadores se considera un hecho perfectamente natural y no problemático. Parece evidente que podemos sentir pena o simpatía por los personajes de ficción, terror cuando nos enfrentamos a monstruos amenazantes en una película y emoción cuando escuchamos música alegre. Esto podría explicar por qué muchos de nosotros somos consumidores de arte en primer lugar. Muchos de nosotros creemos que el buen arte no debe dejarnos fríos.
Cuando empezamos a explicitar otras ideas comunes sobre la emoción y nuestra relación con las obras de arte, estos pensamientos comunes, por muy naturales que sean, se vuelven problemáticos. Si ciertos sentimientos, como la lástima, exigen que se asuma que la fuente de la emoción existe aunque no sea así, ¿cómo podemos sentir lástima por un personaje de ficción que todos sabemos que no existe? Explicar la posibilidad de la emoción en el contexto de nuestras interacciones con diversos tipos de obras de arte es, por tanto, una tarea fundamental.

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Estos eran los mejores artistas del planeta, y eran mucho más que su depresión. Utilizaron los pinceles para trabajar con sus intensos sentimientos negativos e hicieron algo absolutamente hermoso. A menudo, las personas pueden producir algo fuerte sin siquiera darse cuenta cuando canalizan este tipo de emociones negativas intensas. Los colores vibrantes, los paisajes de otro mundo, las expresiones misteriosas de los rostros y las pinceladas detalladas contribuyen a la intensidad del cuadro.
En la década de 1880, empezó a perder la visión. Esto fue devastador para él porque ya no podía retratar perfectamente la elegancia y la gracia de sus sujetos. Lo que no sabía era que sus obras se harían inmortales y que llegaría a ser uno de los artistas más famosos del mundo. Los sujetos que fotografiaba vivirían a perpetuidad, y su belleza sería admirada en todo el mundo.
En la década de 1880, Degas sufre episodios de depresión y falta de rumbo. “Estoy atrapado, impotente. En 1884, escribe en una carta: “He perdido el hilo”. La agitación de la mediana edad hace que Degas reoriente su arte lejos de la narrativa y hacia un expresionismo profundamente reflexivo, hacia el arte por el arte y no como una ventana al mundo. 1996, Scott Tyson

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A principios del siglo XX surgió un movimiento artístico conocido como “expresionismo”, en el que el artista se preocupaba más por retratar una experiencia emocional que por representar el realismo. La obra de arte puede ser un registro de las emociones del artista en el momento de la creación, así como provocar respuestas emocionales en el espectador.
En una investigación anterior estudiamos el arte de Matisse, Picasso, Lichtenstein, Chagall y otros para ver cómo estos maestros modernos expresaban la emoción en sus obras. Hemos decidido retomar este tema y observar a otro grupo de artistas para ver qué formas han utilizado para representar la emoción en sus obras. La forma en que los artistas han hecho de las manos del sujeto una parte importante de la representación de la emoción es algo que estamos viendo más en este periodo. Vea algunos de los ejemplos que aparecen a continuación.
Aquí hay dos cuadros que representan la pena… lo que me gusta del cuadro de la izquierda, de David Alfaro Siqueiros, es que puede expresar la emoción sin siquiera ver el rostro de la persona. La posición de las manos, así como las líneas que definen los nudillos, sugieren que este individuo está luchando contra las lágrimas. La reinterpretación de Vik Muniz de la famosa “Mujer llorando” de Picasso se muestra abajo a la derecha, pero esta imagen es en realidad una fotografía de montones de pigmento colocados para que parezca el original. La mano de la mujer sigue llevándose la mano a la frente, y sus cejas se arquean hacia arriba, indicando su estado emocional.

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Entender la teoría del color nos ayuda a expresar nuestras emociones en la pintura. El color también se ha unido a nuestro léxico para ayudarnos a expresar nuestros sentimientos. Podemos estar “rojos” o “verdes” de ira o de envidia. A menudo utilizamos indistintamente los términos “colores alegres y brillantes” y “colores tristes o apagados”. Un día “gris” puede ser deprimente y desencadenar un caso de “tristeza”.
Los cuadros de Vincent Van Gogh demuestran una comprensión intuitiva de las propiedades emotivas del color. En esta versión de “Girasoles” de la National Gallery de Londres, utiliza amarillos cálidos para producir un cuadro enérgico que irradia sentimientos de esperanza y alegría. Este cuadro está rodeado por un grueso marco marrón oscuro en la pared de la galería y brilla desde dentro como una imagen retroiluminada.
Los cuadros de Pablo Picasso son otro ejemplo de uso eficaz del color emotivo. Picasso pintó en tonos azules monocromáticos entre 1901 y 1904, reflejando su estado mental depresivo. La muerte de su amigo, el pintor español Carlos Casagemas, que se suicidó por su amor no correspondido por la modelo del artista, Germaine Pichot, fue el detonante. Su “tiempo azul” recibió el nombre de esta sección de su obra. En “La Tragedia” (1903) utiliza azules fríos para evocar el frío de la tristeza y la desesperación en un tema típicamente sombrío de la época.