Esculturas de alberto giacometti

🐭 Art+design londres | el maestro escultor alberto giacometti

Alberto Giacometti, uno de los escultores suizos más respetados y conocidos, se encuentra entre las tres esculturas más caras de la historia del mercado del arte. En 2015, L’Homme au doigt (1947) se vendió por 141,3 millones de dólares, L’Homme qui marche I (1961) por 104,3 millones y Chariot (1950) por 101 millones.
Otra de las obras maestras de Giacometti fue añadida recientemente a la lista de récords por la casa de subastas Sotheby’s. La Grande femme I (1960), una estatua de bronce realizada sólo seis años antes de la muerte del artista, se vendió en una inusual subasta de “puja cerrada” con un precio de salida de 90 millones de dólares. La identidad de los postores, el comprador final y el precio final de la escultura están cubiertos en una venta a puja cerrada.
Giacometti nació en una familia de artistas en 1901. Su padre era pintor, y sus hermanos siguieron sus pasos haciendo carrera como artistas y arquitectos. Alberto estudió en la Escuela de Bellas Artes de Ginebra antes de trasladarse a París. A partir de 1922 entabló amistad en París con los surrealistas Max Ernst, Joan Miró, Picasso, Balthus y Bror Hjorth.

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‘Alberto Giacometti: Escultura, pinturas, dibujos’ es una exposición dedicada al artista “es la más reciente de la serie de proyectos internacionales a gran escala del Museo Pushkin de Bellas Artes, que representan mucho más que ideas generadas por la amplia revisión de los fondos del museo. Las mentes inquisitivas del museo y sus energías minuciosas siempre se han orientado hacia proyectos que explican diversas fases de la historia del arte y llenan las lagunas de las exposiciones actuales del museo. Las exposiciones dedicadas a Pablo Picasso (la primera en Rusia), Amedeo Modigliani, Raoul Dufy, Joan Miró, Salvador Dalí, René Magritte, Piet Mondrian y Andy Warhol son ejemplos de este tipo de empresas que presentan a artistas modernistas e iconos del arte de vanguardia del siglo XX. Tales exposiciones supusieron una conmoción cultural hace 40 años, una atrevida presentación de un nuevo lenguaje artístico con el telón de fondo de la “mitología estetizada”. “de un régimen autoritario
No es exagerado sugerir que la exposición de Giacometti es un momento decisivo en la cultura rusa. Los preparativos para la primera exposición del extenso legado del artista en Moscú y San Petersburgo tropezaron con varios obstáculos que, a pesar del interés mutuo de sus miembros, parecían a veces insuperables. Se necesitó mucho tiempo para que ambas partes se pusieran de acuerdo sobre las condiciones de préstamo, envío y exposición de las obras de arte que fueran mutuamente aceptables. Las negociaciones con los socios suizos, que duraron muchos años, se interrumpieron en dos ocasiones. La Fundación Beyeler de Basilea, el Museo de Arte y la Fundación Alberto Giacometti de Zúrich, y dos de los mayores museos rusos, el Hermitage y el Museo Pushkin de Bellas Artes, firmaron finalmente un acuerdo en el verano de 2008. El hecho de que el proyecto se haya completado finalmente y haya sido un gran éxito de público justifica el tiempo y el esfuerzo dedicados a su realización.

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La capacidad de Giacometti para crear una iconografía surrealista y autoconsciente del cuerpo le convirtió en un gran artista moderno. Sus figuras desprenden una dignidad icónica, una sensación de quietud, soledad y una densa existencia interior, casi una vida espiritual. Sugirió que nuestra vida en el mundo es un conjunto de movimientos fluidos, pero se cuidó de no decir, como Beckett, que estos gestos tienen lugar en el breve periodo entre el nacimiento y la muerte. Aunque toda su obra es vibrante, tiene su propio descenso estoico a la nada escrito en su forma y postura. Sabía cómo dibujar un rostro al tiempo que devolvía la atención del espectador al espacio que rodea la cabeza y a las líneas y marcas de ese espacio en sus dibujos y pinturas. Tenía el suficiente talento para hacerte creer que el rostro que creaba estaba vivo y era genuino, y el suficiente cinismo para que te dieras cuenta de que sólo estaba manipulando su material.
En su libro Looking at Giacometti, David Sylvester describe cómo trabajaba el artista mientras creaba esculturas de memoria. Construía y luego demolía, empezando desde cero. Volvía a construir, trabajando rápidamente, y la demolía por completo, para luego volver a empezar. Sin embargo, la imagen producida cada vez no sería dramáticamente diferente. Quería ser capaz de producir la imagen ideal en un instante. Necesitaba muchos de estos flashes antes de poder soltar la pieza. Tenía un talento natural como artista contra el que luchaba y desconfiaba, viendo qué podía hacer para que fuera más desafiante para él mismo y, al mismo tiempo, más interesante y pleno para el espectador, más lleno de misterio de la gran distancia o vínculo entre lo que pueden hacer las manos del escultor y lo que puede producir el material.

🤟 Giacometti (1967)

Alberto Giacometti, fascinado por los abismos del subconsciente, acudió a los surrealistas en busca de inspiración en la década de 1930. Su arte, sin embargo, no puede quedar encerrado en el Manifiesto Surrealista durante mucho tiempo.
Cuando la mayoría de la gente piensa en Alberto Giacometti, piensa en figuras de bronce largas y esbeltas como las que creó después de la Segunda Guerra Mundial. Muchos ignoran que el artista fue en su día miembro del movimiento surrealista de París.
En 1930, cuando André Breton, el padre del surrealismo, vio la escultura de madera “Bola suspendida” de Alberto Giacometti en una exposición organizada por el galerista Pierre Loeb, quedó tan impresionado por ella que compró la obra del entonces desconocido artista. Unos días más tarde fue al estudio de Giacometti para invitarle a unirse a su círculo de artistas y autores. Giacometti aceptó por interés y contra toda advertencia, y se convirtió en miembro del movimiento surrealista durante cuatro años y medio.
Tras trasladarse a París en 1922, Giacometti trabajó en sus esculturas en secreto durante muchos años. A partir de 1928, sus encuentros con Max Ernst, Joan Miró y otros artistas influyentes de la época marcaron un punto de inflexión en su creatividad. Fueron ellos quienes le expusieron al surrealismo por primera vez, aunque a menudo fueron seguidos de advertencias sobre André Breton y su férreo control sobre el grupo que había creado.