➡ Caracteristicas del arte colectivo
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Los colectivos artísticos y los diversos estilos artísticos colectivos ponen en tela de juicio el “régimen de singularidad” que ha dominado el arte desde el siglo XIX, basado en la “individualidad”, la “originalidad” y la “unicidad” de un artista. Si este mito ya no necesita ser desmentido, la investigación de los modos colectivos de desarrollo permite mirar directamente lo que sigue siendo a menudo una caja negra del análisis sociológico: la producción de la estética y de las obras de arte, que incluye tanto parámetros autónomos (artísticos) como heterónomos (sociales, de gestión, económicos y públicos).
El Comité de Investigación en Sociología de las Artes y la Cultura (RC-SAC) de la SSA invita a presentar propuestas que adopten un enfoque teórico, metodológico o empírico de este tema, idealmente basado en el trabajo de campo. Las propuestas y presentaciones pueden estar escritas en inglés, francés o alemán. Se pedirá a los autores de las propuestas ganadoras que presenten un resumen, así como una presentación en PowerPoint en inglés, si procede.
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El segundo grado de colectividad en el arte se da cuando dos o más personas trabajan codo con codo en la misma sala, pero cada una de ellas está trabajando en su propia obra de arte sin que exista un vínculo acordado entre ellas.
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Los grafitis del Muro de Berlín, los festivales y el arte callejero son ejemplos de ello. En este escenario, cada artista es dueño del 100% del orgullo por sus obras particulares, así como de una pequeña parte del orgullo por su participación y el resultado final como grupo.
Un tercer grado, más avanzado, de colectividad en el arte surge cuando los artistas se reúnen para hacer su propia obra mientras se adhieren a un tema o estilo central predeterminado. Una vez más, cada artista es dueño del 100% del orgullo de sus esfuerzos individuales, pero un grado mucho más alto y profundo de orgullo en el resultado general. Los colectivos de rap, en los que la gente produce e interpreta música rap basada en ideologías comunes, o las granjas de esculturas, como la Runnymede de California o la Gibbs de Nueva Zelanda, son ejemplos. En varios de estos casos, los organizadores o los que encargaron el proyecto artístico se llevan la mayor parte del orgullo colectivo.
🙂 ¿qué es la marca colectiva? ¿qué significa?
Doy mi pleno consentimiento para que el CAFA Art Museum (CAFAM) envíe al CAFA para su publicación cualquier fotografía, imagen, texto, ensayo y elementos de eventos (como obras producidas durante la participación en talleres) relacionados conmigo que resulten de mi participación en eventos públicos (incluidos los eventos de los miembros del museo) coordinados por el Departamento de Educación Pública del CAFA Art Museum. El CAFA puede publicar estos materiales en formato electrónico, en línea o en otros formatos digitales, y por la presente doy mi consentimiento para que mis datos, documentación y archivos se incluyan en el Banco de Recursos de Conocimiento de China, la Base de Datos del CAFA, la Base de Datos del Museo de Arte del CAFA y otras instituciones y plataformas de datos, documentación y archivos relevantes. Doy mi consentimiento para utilizar estos privilegios en el CAFA y para difundirlos en Internet en cumplimiento de las leyes especificadas.
La equidad, la imparcialidad y la participación y retirada voluntarias fueron los principios rectores de este caso. Los participantes son los únicos responsables de su propio riesgo y responsabilidad. Cualquier evento tiene riesgos, y los participantes deben ser conscientes de los riesgos asociados al evento que han seleccionado.
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En el arte conceptual, la idea (o el concepto) que subyace a la obra es más importante que el objeto artístico acabado. Comenzó como movimiento artístico en la década de 1960, y el término se utiliza más comúnmente para describir el arte creado entre mediados de la década de 1960 y mediados de la década de 1970.
Aunque el término “arte conceptual” se acuñó a principios de la década de 1960 (Henry Flynt, del grupo Fluxus, se refirió a sus piezas de performance como “arte conceptual” en 1961), el arte conceptual como movimiento distinto no surgió hasta finales de la década de 1960. La serie de Joseph Kosuth Titled (Art as Concept as Idea) 1966-7; el plan de los artistas ingleses Terry Atkinson y Michael Baldwin para una exposición Air Display Air/Conditioning 1966-7 (miembros fundadores del grupo Art & Language); las pinturas de palabras de John Baldessari expuestas en Los Ángeles en 1968; e importantes exposiciones colectivas como la organizada por el marchante de arte Seth Siegelaub en Nueva York en 1969, del 1 al 31 de enero Este creciente enfoque de la creación artística basado en las ideas se expresó en 0 Objects, 0 Painters, and 0 Sculptors. En un artículo de Sol LeWitt de 1967, se utilizó por primera vez el término arte conceptual para referirse a este movimiento distinto: En el arte conceptual, la parte más significativa de la obra es la idea o la definición. Cuando un artista crea arte conceptual, toda la planificación y las decisiones se toman con antelación, y la ejecución es un proceso rápido. Paragraphs on Conceptual Art”, Artforum, Vol. 5, nº 10, verano de 1967, págs. 79-83; LeWitt, “Paragraphs on Conceptual Art”, Artforum, Vol. 5, nº 10, verano de 1967, págs. 79-83; LeWitt, “Para Six Years”, un registro innovador de los primeros años de la revolución, fue publicado en 1973 por la crítica estadounidense Lucy Lippard. 1966-72 fueron los “seis años”. El extenso subtítulo del libro se refería al “llamado arte filosófico, del conocimiento o de las ideas”.